Periodista: ¿Cómo apareció la idea de esta obra?
Carlos Casella: Es un paralelo entre la carrera de caballos y la vida amorosa. La carrera, salirse o no, estar en la huella de lo correcto o correrse. Está la idea de la doma, de domarnos, de reeducarnos en el amor en tanto romántico y cómo salir de ahí. Los puntos de contacto con la poética de los caballos apareció y luego surgió lo que es un pura sangre, un animal sensible, brioso, adrenalítico, amoroso, sometido, ser doméstico o ser salvaje. La pura sangre corre por las venas y no la podés parar, cuando el corazón late y la cabeza dice que no.
Jorgelina Aruzzi: La primera idea fue por qué sufrimos por amor, el pensar en un proyecto de pareja a largo plazo, cosa que a esta altura nos hace ruido. Estamos domados por un sistema que asocia a la mujer con la familia y la maternidad, y también al hombre como esposo, lugar que mantienen sin ser felices. Ese sufrir por amor está presente y se reactualiza, en un marco de sociedad más libre que estamos construyendo.
P.: ¿Cuáles son los temas que aparecen hoy, acaso diferentes a sus comienzos?
C. C.: Empiezan a aparecer capas distintas y a circular pensamientos que no tienen que ver con lo propio sino con lo popular y universal. El amor siempre estuvo. En ‘Sputza’ lo hacíamos de una manera muy incorrecta, con parejas que empezaban muy enamoradas para terminar cada uno por su lado. En ‘Hermosura’ estaba la desesperación por encontrar esa media naranja que no existe, estaban todos hermosos e impecables y cada beso era un mordisco que hería. En esta obra está todo centralizado en Griselda en relación al amor, y la pregunta sobre el empoderamiento. Vuelvo a ‘Sputza’ y creo que no podríamos hacerla hoy como era, yo usaba a Griselda de mesa, le comía una fuente de fideos en la cola, todo jugado con el cinema italiano, retro.
P.: ¿Hay un tipo de humor que hoy no está bien visto y no puede hacerse?
C.C.: Podríamos pero hay que conducirlo hacia algún lugar, delatar que uno es consciente de lo que está mostrando y mostrar el lado B. Se puede jugar con ciertas cosas filosas que siguen siendo humanas, como esas cosas que a uno se le escapan cuando habla con alguien, entonces en escena debemos autodelatarnos.
J.A.: Detrás del humor hay una ideología, nos reímos de un chiste, está el chiste de gordos pero ¿a quién criticás? Sí se puede seguir haciendo humor con los mismos temas pero desde otro lugar, aclarando siempre donde está parado uno, tiene que ver con lo que uno piensa respecto del chiste.
P.: ¿Qué intentan sugerir sobre esta idea del amor?
C.C.: Lo monstruoso alude a que el amor siempre está roto, uno puede querer emparcharlo pero igual deja de funcionar. Eso sería lo incorrecto, lo irreverente, ¿es el amor una forma entera o hay que vivirlo roto? Eso se pregunta la protagonista y usamos un grupo masculino que la rodea y marca el contraste. Por momentos es la sociedad, por otros amigos, amigas, domadores, sujetos a quienes domar.
P.: ¿Cómo ve la escena de la comedia musical local?
C.C.: Ante todo esto no es un musical sino una obra de teatro con mucha intervención musical, tiene la mirada en la actuación física en todas las escenas, en la energía de los cuerpos, en la distribución de los actores en el espacio, en los niveles de la escenografía, es una puesta austera pero divertida. Tomás Rottemberg apostó a algo original porque es libro, música, coreografía, todo original. Compró el equipo, no le mostramos ni una línea, nos acompañó, prendo una vela para que haya más productores así. Entiendo que en general traen cosas probadas de afuera pero es una felicidad cuando se animan a correr riesgos con el artista local en lugar de lo extranjero. He tenido que escuchar que lo hago no es musical porque no se adhiere a la línea histórica de los musicales. Toda la vida hice musicales, desde El descueve, con canciones originales y construimos un sello propio, pero paralelo al heredado de Broadway, de lo que sé muy poco. En esos no me veo representado.
P.: Tuvieron que postergar varias veces el estreno, la última por el covid de la protagonista.
C.C.: Lo ideal sería que antes del estreno se enfermen todos y después estamos tranquilos. Esto que pasa es algo surrealista, me recuerda a una serie de Lars Von Trier de los 80, sobre un sanatorio construido sobre un cementerio y los enfermos son fantasmas, así estamos.
J.A.: Es un plomo pero hay que dar gracias a que con las vacunas ya no es mortal y se vive con menos miedo. La gente está aislada y por eso no va al teatro pero hay que recordar que están todos con barbijo, que es seguro y no hubo índices de contagio dentro de una sala. Como viajar está imposible, ir al teatro es una manera de viajar con la mente.
